Frijid Pink – House of the Rising Sun

 

House of Rising Sun. Immortalisée en 1964 par Eric Burdon et ses Animals, cette réinterprétation d’un air traditionnel de folk-blues américain est devenue un énorme succès international. N°1 au Royaume-Uni, aux Etats-Unis et au Canada, elle a été reprise un nombre impressionnant de fois. La chanson raconte l’histoire d’une vie qui a mal tourné du côté de La Nouvelle-Orléans. Selon les versions et la façon dont les paroles sont perçues, la maison en question est tantôt un lupanar, tantôt une maison de jeux et parfois même une prison. ″Il est une maison à la Nouvelle-Orléans que l’on appelle La Maison du Soleil Levant. Elle fut la ruine de nombreux mauvais garçons et Dieu sait que je suis de ceux-là… Oh mères, dites à vos enfants de ne pas faire ce que j’ai fait: passer toute une vie dans le péché et la misère…″. Detroit 1969. Un groupe local évolue depuis deux ans sur la scène locale qu’il partage avec The Stooges, Amboy Dukes de Ted Nugent et MC5. les Frijid Pink jouissent même là bas d’un joli brin de popularité. Lors d’un concert au mythique Grande Ballroom ils se payent même le luxe d’avoir en première partie des petits nouveaux venus de la Perfide Albion: Led Zeppelin! Cette année là, la formation menée par le guitariste Gary Ray Thompson et le chanteur Tom Beaudry entre en studio pour enregistrer son premier album éponyme. Au moment du bouclage, la production réalise qu’il reste du temps sur le créneau alloué aux musiciens. Quasi improvisée, House of the Rising Sun est alors enregistrée pour combler le manque et choisie pour le single à paraître en décembre. Gros son, ambiance garage, voix puissantes, distorsion, fuzz, wah-wah, le titre fait mouche et est certifié disque d’or en mai 1970 avec plus d’un million d’exemplaires vendus, offrant à Frijid Pink son plus large et unique succès. Quant à l’album, replacé dans le contexte, c’est un petit joyau de hard rock psychédélique qui malheureusement cessera de briller par la suite. Dommage!

Patrick BETAILLE, novembre 2022

Rare Bird – Sympathy

 

Rare Bird voit le jour en octobre 1969 lorsque l’organiste Graham Field, le claviériste Dave Kaffinetti, le batteur Mark Ashton et le chanteur Steve Gould imaginent un rock progressif à deux claviers et sans guitares. Le premier album éponyme de ce combo britannique sort à la fin de l’année et c’est début 1970 qu’est extrait et publié le single intitulé Sympathy. Une fois n’est pas coutume les paroles sur fond de badinage romantique laissent la place à un texte engagé. ″…Quand le soir tu verrouilles ta porte et que tu te couches, pense un peu à ceux qui la nuit restent dehors dans le froid. Il n’y a pas assez d’amour ici bas et la compassion c’est tout ce dont nous avons besoin mon ami. Une moitié du monde possède toute la nourriture pendant que l’autre s’allonge et meurt lentement de faim…″. Passablement boudé dans son pays d’origine, le titre fait un carton presque partout ailleurs. 1 million de copies sont vendues dans le monde. Numéro 1en Italie et Numéro 1 en France avec 500 000 exemplaires écoulés. Dans l’hexagone justement, les paroles on s’en balance un peu. Seule la mélodie et le rythme importent. C’est l’époque des boums, des premiers vrais flirts, des premières galoches avec la langue et des mains aventureuses [NDLR: ça sent le vécu hein?]. Même si 2’45 c’est un peu court pour pécho, ce slow chaud-patate c’est le carton assuré et il trône systématiquement en haut de la pile des immanquables à poser sur le chargeur du crin-crin.

Toujours en 1970, repris en français par Severine sur une adaptation musicale de Francis Lai, Sympathie devient le thème principal du film Du Soleil Plein les Yeux. La version originale est rééditée en 1979. Une belle peinture de Marc Harrison intitulée The Birdwoman Of Zartacla (l’œuvre sera également également utilisée pour la couverture du numéro de juin 1981 du magazine Heavy Metal) succède au lettrage jaune et blanc sur fond rouge vif de l’hideuse pochette originale . En 1991 une version interprétée par Marillion sur l’album Holidays in Eden atteindra la 17ème place du Top 40 anglais.

Patrick BETAILLE, novembre 2022

The Easybeats – Friday on my Mind

 

Deux anglais, deux hollandais et un écossais, tous musiciens, se retrouvent à Sidney au milieu des années 60 et forment The Easybeats. Inventif, talentueux et imprégné de rythm and blues, le groupe surfe sur la vague Mod et jouit rapidement sur sa terre d’accueil d’une solide réputation qui, en 1966, lui ouvre la voie d’une distribution discographique internationale. C’est avec leur deuxième single, Friday on my Mind, que les australiens d’adoption vont connaître la gloire, ou presque. Enregistrée à Londres avec le producteur Shel Talmy – alors connu pour avoir bossé avec les Who et les Kinks – la chanson est véritable hymne à la fin de semaine, thème cher à la jeunesse de l’époque qui aspire plus à prendre du bon temps qu’à travailler. ″Le lundi matin, c’est horrible, tout le monde me harcèle. Quand vient le mardi, ça va mieux, même mon paternel a l’air en forme. Le mercredi n’en finit pas. Le jeudi s’écoule trop lentement. Je pense au vendredi. Je vais aller m’muser en ville, sortir avec ma copine. Elle est si jolie. Je vais claquer ma paye et m’éclater″. Musique et paroles sont de Harry Vanda (lead guitariste) et George Young (guitariste rythmique), duo* grâce auquel le titre qui parait le 17 novembre 1966 connaît un succès mondial fulgurant qui restera N°1 en Australie pendant 8 semaines. Malheureusement, les Easybeats n’ont pas été en mesure de capitaliser ce succès. Drogues et conflits internes auront raison des musiciens. Malgré une proposition de contrat de la part de Brian Epstein (rien que ça!), le groupe décide d’arrêter et de retourner au pays. Là bas, après une dernière tournée, Harry Vanda et George Young deviennent producteurs à plein temps. Élue meilleure chanson australienne de tous les temps Friday on my Mind, a été reprise un nombre incalculable de fois par des artistes prestigieux tel que David Bowie sur son album Pin Up’s en 1973, Peter Frampton en 1981 pour Breaking All the Rules ou encore Gary Moore en 1987 (Wild Frontier). Le Boss himself la reprendra sur scène à plusieurs reprise, notamment lors d’un concert à Sidney en 2014.

*Après la dissolution des Easybeats en 1969, Vanda & Young composeront quelques hits tels que My old Man’s a Groovy old Man pour The Valentines, un groupe de pop bubble-gum ayant pour chanteur un certain… Bon Scott. Engagés par Albert Productions en tant que dénicheurs de talents, George et Harry vont commencer à se pencher sur le cas d’une petite formation locale qu’ils trouvent prometteuse et à laquelle ils vont apporter soutien et expérience. Produisant leurs cinq premiers albums, le duo contribuera indéniablement à lancer ce groupe au sein duquel officient Angus et Malcolm, les frères cadets de… George Young. AC/DC partait à la conquête du monde. Mais ça c’est une autre histoire.

 

Patrick BETAILLE, novembre 2022

 

 

Wallace Collection – Daydream

 

Il est de ces formations que l’on ne connaît que grâce à un tube. C’est le cas de ce groupe de pop rock belge dont certains membres – Raymond Vincent et Jacques Namotte – sont issus de l’Orchestre National de Belgique. One-hit wonder par excellence, Daydream a été élaboré autour de thèmes classiques composés par Tchaïkovski, notamment celui du Lac des Cygnes. Installé à Londres, le groupe tire son nom du ″Wallace Collection″, un musée situé près des studios Abbey Road dans lesquels est enregistré un premier LP: Laughing Cavalier. En dernière position sur l’album, Daydream parait en tant que single promotionnel en 1969. La chanson bucolique à souhait évoque le souvenir d’une relation amoureuse passée. ″Rêverie, je me suis endormi parmi les fleurs. Pendant quelques heures de ce jour magnifique je t’ai rêvée parmi les fleurs. J’ai repensé à ces endroits où je suis allé avec toi. Comme ce ruisseau au bord duquel nous étions assis quand je t’ai embrassée et tenue dans mes bras. Dis moi pourquoi, dis moi pourquoi tu es si timide?″. Ça claque hein? La mélancolie du texte est accentuée par une ligne de basse obsédante et des ″La la la″ répétés ad libitum durant les deux dernières minutes du morceau qui en fait quatre [NDLR – on pourrait en rire si musicalement ce n’était pas aussi bien foutu!]. N°1 en Belgique, le titre est devenu un énorme hit dans 21 autres pays et, fort de sa soudaine notoriété, le groupe effectue des tournées en Europe, aux Etats-Unis, au Mexique et en Amérique du Sud. Les singles suivants (Love et Serenade), connaitront un certain engouement, sans pour autant atteindre le niveau de celui de Daydream, repris en français par Claude François. Après trois albums, Wallace Collection se sépare en 1971 et se reforme en 2005 avec un nouveau line up.

Patrick BETAILLE, novembre 2022

 

 

 

ACDC – Highway to Hell

 

Je roule sur l’autoroute vers l’enfer. Pas de signaux STOP, pas de limitation de vitesse. Rien pour me ralentir. J’y vais. C’est l’heure de la fête, mes amis seront là aussi. Hé satan?! Je paye mes dettes en jouant dans un groupe de rock. Maman?! Regarde moi! Je suis en route pour la terre promise″.

L’on prétend souvent que ce texte évoque le ressenti d’Angus à l’égard des tournées de AC/DC: « C’est un enfer quand des heures durant t’es enfermé dans un car où règnent les odeurs de sueur et de chaussettes sales« . En 2009 Brian Johnson prétendait dans la presse que le texte avait été écrit dans le bus, celui avec lequel il fallait une éternité pour se rendre de Melbourne ou de Sydney à Perth. ″Quand vous roulez très longtemps et que le soleil couchant ressemble à une boule de feu, Il n’y a rien d’autre à faire que se palucher ou jouer aux cartes. C’est au cours de l’un de ces périples que Bon a pondu les paroles″. L’idée est là, certes, et ça se tient. Mais que nenni! La véritable origine de l’histoire de cet autoroute vers l’Enfer je vais vous la conter céans. Je la tiens d’un mien ami qui – quand il parvenait à rester à jeun plus de 24 heures et entre deux missions d’intérim en tant que chien policier – exerçait les professions enviées d’inséminateur de kangourous et d’organisateur de courses de koalas. C’est ainsi qu’au fin fond de la ″Down Under Land″ il eut l’occasion de rencontrer feu Ronald Belford Scott – chanteur de son état – qui lui dévoila la vérité. De source sûre donc, il s’agit en réalité d’une voie nationale australienne, la Canning Highway, celle qui relie la banlieue de Perth et le port de Fremantle. À mi-chemin, un hôtel et son pub – The Raffles – réputé à l’époque pour son ambiance rock aussi chaude que les nanas du coin. Un endroit que fréquentait assidument Bon Scott. Il logeait pas loin et s’y rendait régulièrement en pèlerinage pour se taper bon nombre de… tartines de houblon et rasades de jus de malt avec ses potes. Si vous voulez du sang, en voilà! À l’approche du lieu, au sommet d’une côte et avant un plongeon dans une descente abrupte, une intersection au niveau de laquelle, alcool et vitesse aidant, beaucoup de fêtards ont été envoyé ad patres. De triste réputation, la route fut donc surnommée la Highway to Hell.  

Paroles simplistes, chant en mode chat écorché, guitares assassines, rythmique métronomique et chœurs à l’unisson sur le refrain. La recette est imparable. Avec If You Want Blood (You Got it) en face B, le single est publié le 27 juillet 1979 en Australie, en même temps que l’album du même nom qui sortira le 3 août dans le reste du monde sur le label Atlantic, avec à la clef des ventes à hauteur de 7 millions d’exemplaires. En janvier 1980, un concert de la tournée Highway to Hell a lieu à Southampton en Angleterre. Ce sera la dernière apparition sur scène de Bon Scott qui mourra le 19 février.

Patrick BETAILLE, octobre 2022

Les Irresistibles – My Year is a Day

1966. Ce n’est pas un américain qui débarque à Paris, mais quatre. Quatre garçons de 16 ans : les jumeaux Jim et Steve McMains, Tom Arena et Andy Cornélius. Ils sont arrivés avec leurs parents expatriés et fréquentent l’ ASP, l’American School of Paris. Déjà branchés musique, il commencent à se produire en animant des soirées au sein de leur communauté et, grâce à leurs interprétations proprettes de chansons du moment, finissent par se faire remarquer par CBS.  Sous le nom de Les Irresistibles, un premier single sort en mars 1968. Pour la musique, le label a fait appel à un certain William Sheller, alors jeune compositeur débutant de 21 ans qui, pour la circonstance, utilise une partition écrite à l’origine pour Dalida et qui ne sortira qu’au mois de juin sous le titre de Dans la Ville Endormie pour réapparaitre en 2021 dans la bande son du James Bond No Time to Die (Mourir peut Attendre). Juste avant les grèves du mois de mai 68, My Year Is a Day devient un tube en France, grâce notamment à une campagne promotionnelle rondement menée. Sur la pochette du disque, les quatre minets portent des fringues de couturier à la mode et courent devant la toute nouvelle Triumph que l’on retrouve en trois exemplaires dans le scopitone tourné sur le circuit automobile de Montlhéry. La TR5 apparaît même en double page des grands magazines avec l’accroche suivante ″Les Irresistibles Triumphent″. Si, si, j’vous jure, trop balèzes les publicistes! Quant aux paroles, elles sont signées par le guitariste du groupe Tom Arena qui, comme souvent à l’époque, exploite le thème de la déception amoureuse. ″J’aspire vraiment à autre chose, mais je sais que ça prend du temps. Mes pensées se bousculent. Il me semble que je l’ai perdue il y a des années. J’ai tellement besoin d’elle, comment puis-je aller de l’avant en étant aussi triste. Je me sens si mal″. Énorme succès en Europe. Le single se vend à 2 millions d’exemplaires dans le monde. Malgré d’autres tentatives comme Why Try to Hide paru à l’été 1969, le groupe ne connaîtra jamais un engouement équivalent. Les Irrésistibles repartent aux Etats-Unis puis se séparent en 1971 après avoir enregistré Christmas Bells Will Ring, la version anglo-saxonne de Petit Papa Noël, tout compte fait pas si irrésistible que ça.

Patrick BETAILLE, octobre 2022

The Frost – Rock & Roll Music

 

2’45, applaudissements compris puisque le titre a été enregistré live au Grande Ballroom de Detroit dans le Michigan. Composé par le guitariste chanteur Dick Wagner que l’on retrouvera plus tars en studio aux côtés d’Alice Cooper (Billion Dollars Baby  et School’s Out) et sur scène avec Lou reed ( Rock ‘n’ Roll Animal et Lou Reed Live). Hymne brut, simpliste et efficace, Rock & Roll Music n’y va pas par quatre chemin. Pour ceux qui auraient la comprenette difficile, le gimmick ″rock and roll music″ est répété 30 fois. Simple et efficace vous dis-je! Même si à 1’35, histoire de clarifier les choses un fois pour toutes on a droit à: ″Le rock, c’est tout ce que tu as dans en tête. Le rock c’est exprimer ce qu’il reste à dire. Le rock c’est ce dont tu as besoin pour être libre″. Sorti en même temps que le LP en 1969, le single viendra renforcer le succès – hélas éphémère – de The Frost, pourtant déjà populaire sur la scène de Detroit aux côté de MC5 et des Stooges. 

Patrick BETAILLE, septembre 2022

The Peels – Juanita Banana

 

Dans une petite ville tranquille, au sud de la frontière mexicaine, vivait la jolie Juanita, fille d’un planteur de bananes. Elle rêvait de chanter à l’opéra, mais son père se moquait d’elle. Pourtant, tous les jours, dès son travail accompli, Juanita chantait. Un jour, Juanita déménagea et parti en quête de richesse et de célébrité. Il ne lui fallut pas plus de deux chansons pour être acclamée par le monde entier. Resté à la maison, son père était stupéfié. Sa Juanita Banana une star ? Il décida de bruler ses plants, se rendit à la ville et s’acheta une guitare″. Voilà une histoire Ô combien épique qui valait bien le témoignage musical qui germa dans la tête du producteur Tash Howard. Son idée? Faire interpréter par un groupe, créé pour la circonstance, une chanson qu’il avait écrite avec Murray Kenton et que sa société de production (Howard-Smith Productions) financerait. Composé de Gail Allan, Bill Spilka, Harvey Davis et Harold Swart, The Peels enregistrent donc le fameux Juanita Banana. Sur la pochette originale, aucune information liée aux sources musicales. Le refrain est pourtant bel et bien tiré d’un air de bel canto extrait du Rigoletto de Giuseppe Verdi écrit 115 ans plus tôt. dès sa parution en 1966 le single devient culte, au point d’atteindre la cinquante-neuvième place au Billboard Hot 100 et de trouver un écho international avec des interprétations plus ou moins loufoques. En France, c’est le comique de service cher à Maritie et Gilbert Carpentier qui y va de sa version scopitonée. Henri Salvador y apparaît grimé en Juanita aux longs cheveux nattés et en père pourvu de moustaches fournies qui plus tard inspireront Philippe Martinez. Certains se souviennent peut-être aussi du film Le Goût des Autres (2000) et de cette scène impayable au cours de laquelle Jean-Pierre Bacri, reconnaissant l’extrait de l’opéra diffusé en musique d’ambiance, se met à entonner Juanita Banana. Quant à Tash Howard, il fera d’autres tentatives avec deux nouveaux singles, Juanita Banana-Part 2 et Scrooey Mooey, suivis d’un EP également nommé Juanita Banana. Mais le succès ne sera pas au rendez-vous. C’en était fini de The Peels.

Patrick BETAILLE

 

Aphrodite’s Child – Rain and Tears

 

Demis Roussos, Loukas Sideras et Vangelis Papathanassiou jouissent déjà d’une solide réputation dans leur pays, la Grèce, quand ils décident pourtant de changer d’air suite au coup d’état et à la dictature instaurée par les militaires. Le trio veut tenter sa chance Grande-Bretagne et, en mai 1968, c’est le départ d’Athènes en direction de Londres. À ce moment là, ça balance pas mal à Paris où leur avion reste bloqué à cause des grèves. N’ayant toujours pas obtenu leurs permis de travail anglais, les musiciens décident de rester dans la capitale française et d’y enregistrer leur premier album sous le nom de Aphrodite’s Child. Mercury Records investit alors les studios parisiens de Philips et suggère de commencer par travailler sur un single musicalement basé sur Canon per tre Violini e Basso. Vangelis ne tarde pas à adapter les arrangements du fameux Canon de Pachelbel et c’est à Boris Bergman, jeune auteur français, débutant et glandeur de première, qu’incombe l’écriture des paroles en anglais. Non productif, il se retrouve enfermé par le staff dans son bureau: ″Tu ne sortiras de là qu’après avoir pondu un texte″! C’est de sa fenêtre qu’il aperçoit un cortège funéraire sortant d’une église voisine. Il pleut – rain – et certains sont en pleurs – Tears. La chanson Rain and Tears et son cortège de mélancolie sur fond d’amour déchu est enfin enregistrée. ″La pluie et les larmes c’est la même chose. Quand tu pleures en hiver, tu peux prétendre que ce n’est rien d’autre que de la pluie, mais au soleil tu dois assumer″. Sniff!

Se pose alors le problème du pressage. Les usines sont à l’arrêt. L’équipe finit par dénicher dans une arrière boutique de Saint-Ouen une ancienne unité de pressage qui est redémarrée pour la circonstance. Sorti en juin, le single devient très rapidement le tube de l’été 1968. il Disque d’or avec plus d’un million d’exemplaires vendus, il culmine pensant 5 mois à la première place du hit-parade en France où il sera également la meilleure vente de l’année. End of The World – le LP – sort en novembre. La tracklist comporte évidemment le dégoulinant et accrocheur Rain and Tears qui ne sera pas étranger au succès international de l’unique groupe pop/rock hellénique: Aphrodte’s Child.

  Patrick BETAILLE, septembre 2022

 

 

 

 

NAPOLEON XIV – They’re Gonna to Take me Away

Nous le pseudo de NAPOLEON XIV se cache en fait le nom de l’ingénieur du son d’un studio new-yorkais, un certain Jerry Samuels. En 1966, en pleine période de psychédélisme il décide d’écrire et d’enregistrer une chanson simpliste, sorte de pied de nez ironique et humoristique à la tendance mystique, littéraire et surréaliste du moment. Il faudra pas moins de 9 mois à ce doux dingue pour atteindre son objectif, la principale difficulté consistant à travailler sans musiciens et surtout sans section rythmique. Il fait donc appel à quelques uns de ses amis pour enregistrer une piste de grosse caisse, un autre de tambourin et une troisième de claps de mains. Une fois finalisé, l’ensemble est ensuite mixé sous forme de boucle répétitive à laquelle est ajouté le son d’une sirène à manivelle louée 5$. Pour la voix, l’ingénieur fait appel à ses compétences de technicien en utilisant un séquenceur à vitesse variable qui lui permet de moduler son propos – aussi bien dans les aigus que dans les graves – tout en y ajoutant de l’écho et les hurlements de la sirène. Quant aux paroles, elles abordent le thème de la folie, celle dans laquelle le héro sombre quand sa copine le quitte. ″Rappelle-toi quand tu as voulu te barrer. Je me suis mis à genoux et je t’ai suppliée de ne pas faire ça car je savais que j’allais devenir fou. Tu es partie quand même, et maintenant tu vois, je suis complètement cinglé et ils veulent m’enfermer″. Craignant qu’on lui reproche de se moquer des maladies mentales, l’auteur décide de rajouter un dernier couplet: ″J’ai fait ta bouffe, j’ai entretenu ta maison et c’est comme ça que tu me remercies pour tout cet amour désintéressé? Hein? Eh bien tu vas voir, il te retrouveront et il te mettront à l’ASPCA  espèce de chien galeux″(NDLR. ASPCA: Société américaine pour la prévention de la cruauté envers les animaux). C’est donc à cause de la fuite de son clébard parti en goguette que notre héro pète les plombs! Pour preuve, l’illustration du LP montre NAPOLEON à proximité d’une bouche à incendie sur laquelle tout bon canidé qui se respecte est censé pisser. Sauf que là, au bout de la laisse et dans le collier rien! They’re Coming to Take Me Away, Ha-Haaa! sort en single en juillet 1966. Contre toute attente et bien que censuré sur certaines radios (BBC notamment), le titre fait un carton et se retrouve instantanément N°3 au top 100 du Billboard, N°1 au cash Box, N°2 au Canada et N° 4 au Royaume-Uni. C’est tout simplement la face A jouée à l’envers qui figure la face B titrée !aaaH-aH ,yawA eM ekaT oT gnimoC er’yehT. Même les infos présentes sur l’étiquette sont intégralement imprimées à l’envers. Sans conteste une aventure musicale dans laquelle on se serait pas étonné outre mesure de voir débarquer le Screwy Squirrel de Tex Avery! En dernière position sur le LP paru la même année, la réponse attribuée à Joséphine XV: I’m Happy They Took You Away, Ha-Haaa! (Je suis contente qu’ils aient fini par t’enfermer).

Patrick BETAILLE, septembre 2022