Charlie Watts – Lagonda LG6 Rapide

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À la scène comme à la ville, Charlie Watts (1941-2021) était aux antipodes du mode de vie et des frasques des autres membres des Rolling Stones. Par contre, comme les ″ Glimmer Twins ″ il avait une passion dévorante pour les voitures. Au fil des ans, ″ The Wembley Whammer ″ a possédé entre autres une Bugatti Atlantic, une Rolls-Royce Silver Cloud, une Mercedes-Benz 600, une Alfa Romeo Giulia Sprint, une Cadillac Sedan et sa préférée: une Lagonda LG6 Rapide, chef-d’œuvre de l’ingénierie britannique d’avant-guerre.
Acheté par le batteur en 1983, ce V12 produit à seulement 25 exemplaires à la fin des années 30 était l’un des rares capables à l’époque de dépasser les 160 km/h. Charlie adorait sa ligne, son histoire et surtout le bruit de son moteur. Au point de passer de long moments à écouter la sonorité aiguë et puissante du monstre. C’est précisément pour ce modèle d’exception à l’intérieur en cuir rouge qu’il avait fait confectionner par son tailleur Huntsman & Sons, trois vestes de sport en tweed assorties, uniquement pour s’asseoir au volant.
En plus de son élégance légendaire, ″ Le Géant Tranquille ″ était également connu pour son amour du design et de l’originalité. À ce titre, il a possédé plusieurs modèles de la marque française au double chevron: une Citroën SM, une Méhari et une 2CV. Sa Deuche jaune vif était identique au modèle piloté par Roger Moore dans le film de James Bond paru en 1981: Rien que pour vos yeux.

Cette collection est l’une des plus insolites de l’histoire du rock. Charlie Watts n’achetait pas ses voitures pour la vitesse ou pour parader. Pour lui, les automobiles étaient des œuvres d’art, des sculptures mécaniques ou des joyaux de technologie. Paradoxalement, il ne les pilotait jamais. Et pour cause. Il ne possédait pas le permis de conduire.

 

Bootleggers – Rust, Bones et Rock’N’Roll

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Une ambiance chaleureusement tamisée, comme une invite à passer un moment dans ce rade. Un néon rouge dessine les contours de l’État du Texas. Sur le mur en bois sombre, plusieurs photos, dont un portrait de Willie Nelson dominé par un trophée de longhorn et la bannière du Lone Star. En arrière-plan, des bouteilles chichement éclairées par un photophore posé sur le comptoir. Dans ce décor évoquant l’univers de la musique country, le musicien a commandé un Jack Daniels. Pensif, le regard posé sur l’horizon de tant d’années passées à promouvoir les racines de la culture musicale américaine, il attend. Didier Céré a rendez-vous avec les Bootleggers du coin.
Les contrebandiers arrivent, excités comme des puces sur le dos d’un coyote famélique par l’envie d’un ultime hommage à la country rock à la française. Ils sont conduits par Jeremy Mondou, compagnon de route du Did avec lequel il co-écrit neuf des onze titres de Rust, Bones and Rock’n’Roll. Les riffs incisifs du guitariste apportent l’énergie brute nécessaire pour faire grimper une température qui atteint des sommets quand le saxophone incandescent de Michel Mondou – le papa – entre en scène avec son style résolument old school appliqué à l’explosivité de Teddy Boy Stomp et Rock’n’Roll In The Bayou qui vous laissent sur le cul.
En chemin le duo père-fils, accompagné du bassiste Kris Jefferson et du batteur Nicolas Lacaze, est parvenu à convaincre quelques invités de participer au projet. Fred Chapellier dont l’intervention sur Down Town Austin offre une élégance bluesy que n’aurait pas renié Bill Deraime. Red Young, une légende de l’orgue Hammond, qui sublime For You Vietnam Vet et Down Town Austin. Jean-Yves Lozac’h qui abandonne provisoirement le banjo pour une pedal steel guitar qui apporte à Austin Texas, Let Me Stay Awhile, Stampede et Bluebonnet Trail la touche country indispensable. 
Le temps semble ne pas avoir de prise sur Didier Céré. Du rock au blues ou à la balade en passant par le stomp et la country, les voix sont empreintes d’une sincérité généreuse bien en phase avec la démarche du vieux rocker.

Autoproduit, enregistré au Celestine Studios de Pau et masterisé à Austin, Rust, Bones and Rock’n’Roll est un album irrésistiblement généreux de la part de ces Bootleggers qui s’approprient avec passion la culture populaire américaine.
Des extraits et l’achat du disque en numérique sont accessibles sur Bandcamp. La version physique est distribuée chez Silver Music à Lons mais il est possible de l’acquérir pour 20€ via Paypal ou en prenant contact avec Didier Céré: txdidier@wanadoo.fr

 

Le lundi c’est permis – Sédition

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© Photo: Anton Karliner/SIPA

 

[Henri Grouès]: ″ C’est en ne faisant pas les révolutions avec le peuple que l’on provoque les émeutes que le peuple paie – It is by failing to carry out revolutions alongside the people that we provoke the riots for which the people pay the price. ″

 

Leopard Hounds – Too Hot for Snakes

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Bienvenue sur le Creole Queen pour une escale à la Nouvelle-Orléans. À la clef, une visite guidée de ces quartiers, qui, à la nuit tombée résonnent des accents d’une musique indie efficace et sincère. On trouve de nombreux groupes de blues sur les rives du Mississipi et à n’en pas douter Leopard Hounds semble s’imposer en tant que digne représentant de l’énergie nocturne suintant de ″ Big Easy ″. Avec Too Hot For Snakes, le quatuor propose un blues porté par des guitares flamboyantes, des rythmes hypnotiques et une voix culotée au rye whisky. En seulement 35 minutes, l’album nous plonge dans l’ambiance enfumée d’un bouge dans lequel on ne serait pas surpris de voir débarquer le fantôme de John Lee Hooker venu payer sa tournée. Jaw Flappin’, Crawl, Bywater Train, Bone Time et Leopard Hound, des titres représentatifs des intentions et de la personnalité du groupe.

Avec une aisance décontractée mais sans jamais tomber dans la facilité, ces néo-orléanais installent un groove moite au cœur d’une musique indéniablement trop chaude pour les serpents.

 

Quiz – Rolling Stones

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Un fan saura trouver sans difficulté les références qui se cachent dans cette scène! Au premier coup d’œil l’évocation de certains titres des Glimmer Twins est vraiment évidente et sans trop se malmener le neurone, il est possible de trouver les 10 chansons qui ont marqué l’histoire des Rolling Stones. Amusez-vous bien! Si vous capitulez, je vous propose la solution:  Quiz Stones.

 

Tin Machine – Tin Machine II

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[Extrait]: En 1980 Edward de Bell avait déjà travaillé avec David Bowie pour l’album Scary Monsters. Pour le second opus studio de sa Tin Machine,  » The Thin White Duke  » fait encore appel à l’artiste. Celui-ci compose alors l’artwork à partir d’une photo de la statue grecque du Kouros de Kroisos, répétée quatre fois. À vocation funéraire, la sculpture en marbre de l’homme affiche clairement les attributs de sa masculinité. Pour la sortie américaine du compact disc Tin Machine II, l’image est retouchée de façon à dissimuler les parties génitales des sujets. Passablement énervé, Bowie suggère que les acquéreurs de la version U.S renvoient la jaquette à la maison de disques en réclamant l’original. Le label refuse. Ce qui fera dire à la star:  » En Amérique seulement ? ! Mais bon sang, s’ils le souhaitent, les fans peuvent tout simplement retourner le cover art et afficher le verso en lieu et place du recto ! « . Cette tentative hard rock de la part de Bowie – en compagnie du guitariste Reeves Gabrels et des frères Tony et Hunt Sales – ne rencontrera qu’un succès très modéré !

L’intégralité de la chronique est à retrouver dans le livre:
👉  In Vinyle Veritas – Éloquence et Désaveu du Cover Art  👈

Otis Spann – Blues for Martin Luther King

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Le 4 avril 1968, Martin Luther King Jr. est assassiné à Memphis. Quelques jours à peine après le drame, Otis Spann ressent le besoin d’exprimer sa douleur. Il entre en studio à Chicago. Seul au piano, il improvise un blues d’une tristesse absolue: Blues for Martin Luther King. Les paroles pleurent directement la perte du Dr. King et interrogent sur l’avenir de la lutte pour la justice sociale.

[Otis Spann. Blues for Martin Luther King – 1968]: ″ Tu nous as appris à être libres. Tu aimais tout le monde, noir ou blanc. Tu nous as appris qu’il ne sert à rien de se battre mais simplement qu’il faut défendre ce qui est juste… Avec patience et amour, tu t’es battu contre l’injustice. En tant que frères et sœurs, nous serons forts et c’est donc à toi que nous dédions cette chanson ″.

Le lundi c’est permis – Vin

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Source Image: Magnific

[William Shakespeare]: ″ Your lips are like wine, and I want to get drunk – Tes lèvres sont comme du vin, et j’ai envie de m’enivrer. ″

 

Ricky Warwick – Fire & Vengeance

Publié le par blackbonnie64

 

Originaire d’Irlande du Nord où il a passé son enfance et son adolescence, Ricky Warwick a consacré plus de quatre décennies à bâtir une carrière fondée sur une une passion profonde pour le rock. Auteur-compositeur-interprète, le guitariste connait ses premiers succès avec New Model Army et  surtout avec The Almighty. Au début des années 1990, le groupe tourne beaucoup au Royaume-Uni et en Europe en première partie de grands noms comme Motörhead, Megadeth, Alice Cooper, Iron Maiden et Metallica. Split, reformation, tournées solo et participation à divers projets amènent Warwick à rejoindre la nouvelle formation de Thin Lizzy et intègre le groupe en tant que chanteur et guitariste. Il participe à la tournée commémorant les 25 ans de la mort du chanteur original, Phil Lynott. Nous sommes en 2008. En décembre 2012, il cofonde Black Star Riders et un premier album sort en 2013: All Hell Breaks Loose.
Quatre autres albums du line up suivront jusqu’en 2023, époque au cours de laquelle Ricky entame parallèlement une carrière solo. Avec cinq disques en studio à son actif, il revient avec un nouvel Opus: Fire & Vengeance. Coécrit et coproduit avec Keith Nelson, ancien gratteux de Buckcherry, l’album réunit un groupe d’amis exceptionnels. Phil Collen (Def Leppard), Doug Aldrich (Whitesnake et The Dead Daisies), Charlie Starr (Blackberry Smoke) y font tous des apparitions. Cette collaboration fonctionne à merveille, mêlant guitares furieuses, rhythmiques soutenues et la voix si caractéristique de Warwick. Nouveau chapitre donc destiné à explorer de nouveaux horizons sans pour autant s’éloigner d’un rock énergique et percutant.
L’album s’ouvre sur le morceau éponyme qui fait appel à l’énergie rebelle de Ricky. Il est évident qu’un certain Monsieur Lynott n’est pas loin. Rapide, furieux et sacrément jouissif, Hellbent & Heaven Sent déborde d’intensité punk. Seek Zen Destroy propose un riff original teinté de funk et une belle prestation de Phil Collen, solo compris. Mid tempo décontracté et nonchalant, When the King Falls prend une nouvelle tournure grâce à la guitare acoustique. Effet de surprise garanti avec You Just Lie et ses changements de rythme, une voix low-fi et des sonorités arabisantes. À la fois simple, délicate et entraînante The Angel’s Share porte bien son nom. L’ambiance qui s’en dégage est une belle offrande que Tom Petty accepterait dans hésiter. Un autre clin d’œil à Thin Lizzy avec un Last Chance to Dance accrocheur et on ne peut plus efficace. Sweet County Down tient toutes ses promesses. C’est un mix de country jubilatoire et de folk enjoué qui sent bon l’Irlande. Riffs teintés d’écho, batterie tonitruante et voix rocailleuse mettent Tumbleweed Town dans une atmosphère plus brute avec une baisse de tempo à mi-parcours pour laisser la place à un (trop) bref solo de six cordes. If You Think Your Country Needs You, le dernier des 10 titres du disque, est empreint de puissance. Sombre, lourd et poignant, il résume à lui seul le fait que le rock bande encore et que c’est grâce à Ricky Warwick.

Étonnamment Fire & Vengeance semble d’emblée familier tant il rassemble toutes les facettes d’une musique authentique. Habité ou rebelle – en tout cas inspiré – Ricky Warwick assume ses influences et leur offre une dimension inattendue grâce à un équilibre musical magistral. Difficile de passer à côté de cette belle réussite viscéralement rock’n’roll!

Johnny Winter – Gibson Firebird

Publié le par blackbonnie64
© Photo: Mick Rock pour l’album Captured Live – 1976

 

Chanteur et guitariste américain, John Dawson Winter III (1944-2014) était mondialement reconnu pour ses albums de blues rock énergiques et ses performances scéniques exceptionnelles. Il a joué à Woodstock et a partagé la scène avec des artistes tels que Jimi Hendrix, Willie Dixon, John Lee Hooker, ou encore Muddy Waters dont il a relancé la carrière en produisant l’album Hard Again en 1977.
Johnny Winter a découvert la Gibson Firebird V au début des années 1960. D’abord attiré par son look futuriste il est rapidement tombé amoureux du son unique aux aigus riches et mordants délivrés par des micros mini-humbuckers. Sur son modèle Polaris White de 1964 il avait retiré le vibrato d’origine. le cordier fixe Tune-o-Matic de remplacement était plus approprié à son jeu rapide et énergique qui puisait dans les racines blues pour explorer les territoires du rock. Johnny utilisait un onglet de pouce qui lui permettait d’attaquer vigoureusement les cordes, donnant une couleur particulière au son qu’il produisait. Une signature tout droit sortie d’un ampli Fender Twin Reverb ou d’un Marshall Super Lead.

Guitariste puissant et chanteur à la voix rocailleuse, Johnny Winter a occasionnellement joué sur des Fender Telecaster et des National à résonnateur. Mais c’est essentiellement la Firebird qui l’a accompagné pendant des décennies sur les scènes du monde entier, devenant indissociable de celui que l’on surnommait la ″ Tornade Blanche ″ à cause de son albinisme.