Compte tenu du statut colossal des Foo Fighters dans le firmament du rock actuel, on peut affirmer qu’en terme de bagnoles, le leader du groupe fait preuve de modestie. Le Ford Falcon de 1965 de Dave Grohl apparait dans Sound City – Real to Reel, le film documentaire réalisé par le musicien en 2011. Après avoir trouvé le vieux combi abandonné à l’état d’épave au milieu du désert de l’Arizona, Dave l’a confié à King T’s Kustoms en Californie pour une conversion en V8 et une restauration complète. Ravi du résultat, il utilise régulièrement ce véhicule, notamment pour emmener ses enfants à l’école. Il met même des pièces dans le parcmètre. Si ça c’est pas rock’n’roll!
Début des années 1960. L’adolescent anglais Brian May réclame à ses parents une guitare électrique. Le problème, c’est qu’à l’époque les instruments en vogue sont financièrement bien au-delà du budget d’une famille modeste. Harold, son père, est ingénieur en électronique et il propose alors à Brian de bâtir un projet commun autour d’une guitare électrique. C’est donc le début d’une odyssée vers la création de l’instrument unique qui deviendra l’un plus célèbres au monde. Père et fils commencent à travailler en août 1963. Le corps de la guitare est en panneaux de particules avec des incrustations de chêne dans les couches supérieures et inférieures. L’ensemble est recouvert d’un placage marqueté en acajou sur la table, le fond, les éclisses et enjolivé de liserés blancs provenant d’éléments décoratifs d’étagères. La couleur brun rouge qui donne son nom à la ″ Red Special ″ est obtenue après l’application de nombreuses couches de vernis polyuréthane. Le manche pourvu de 24 frettes est façonné à partir du bois du linteau d’une cheminée centenaire dont les trous laissés par des parasites xylophages ont été comblés avec des allumettes. La guitare est équipée de trois micros simple bobinage Burns et d’un chevalet en aluminium fabriqué sur mesure. Quant au système de vibrato il est constitué d’une lame de couteau en acier trempé et de deux ressorts de soupape de moto. Les micros sont câblés en série et dotés d’interrupteurs marche/arrêt dédiés. Pour les réglages du volume et de la tonalité: des boutons de gazinière. Une barre de rétroviseur de mobylette sert de bras de commande du vibrato. La ″ Red Special ″ voit le jour en octobre 1964 et fait ses premières armes avec le musicien au sein des groupes 1984 et Smile (avec Roger Taylor). Au début des années 70, Brian May, Freddie Mercury, Roger Taylor et John Deacon enregistrent le premier album de Queen. Le succès est au rendez-vous. Les tournées incitent Brian à faire fabriquer des copies pour palier à d’éventuels problèmes. La première réplique officielle est confiée au luthier britannique John Birch et utilisée comme guitare de secours lors des prestations scéniques. Entre 1996 et 1997, à la demande du guitariste, le luthier australien Greg Fryer produit trois autres versions techniquement légèrement modifiées. En 1998, après avoir constaté les dégâts subis au cours de près de 30 années d’utilisation, May confie la restauration de sa ″ Red Special ″ à Fryer avec pour consigne de conserver un maximum de pièces d’origine. En 2004, Andrew Guyton, un luthier du Royaume-Uni, en fabrique 50 exemplaires autorisés en édition limitée pour célébrer le quarantième anniversaire de la ″ Old Lady ″.
Cette guitare, utilisée de manière quasi exclusive tout au long de la carrière du groupe Queen, allait définir le style emblématique de Brian May. Ses talents de guitariste sont mis en évidence sur de nombreux titres tels que Killer Queen, We Will Rock You et, bien sûr, Bohemian Rhapsody.
[Albert Schweitzer]: ″ Il y a deux moyens d’oublier les tracas de la vie: la musique et les chats – There are two ways to forget life’s troubles: music and cats ″
Paul Roberts a été élevé au Pays de Galles par ses parents, tous deux artistes. Après des études au Newport College of Art et au Cardiff College of Art, il se fait connaître en tant que peintre hyperréaliste dès les années 1970. Avec un excellent sens de la couleur, ses œuvres explorent et parodie le glamour dans des ambiances parfois dramatiques ou surréalistes. Musicien à ses heures, il compose, chante et joue de la guitare au sein d’un groupe de pop rock. Formé en 1978, Sniff’n’The Tears connait un beau succès international, notamment grâce au titre Driver’s Seat. Après quatre albums enregistrés avec le groupe entre 1978 et 1982, Paul Roberts se lance dans une carrière solo. Jusqu’en 2000, ses engagements musicaux limitent le temps qu’il peut consacrer à la peinture. Des toiles de Paul Roberts ont été utilisées pour accompagner certains albums de Sniff’n’The Tears. Fickle Heart illustre le disque du même nom paru en 1978. C’est The Passenger qui sert de cover art au best of du groupe paru en 1991. Les œuvres du peintre peuvent être consultées ici: Paul Roberts Paintings.
L’une des premières guitares avec lesquelles Jerry Garcia (1942-1995) s’est distingué au sein du Grateful Dead était une Fender Starocaster blanche de 1955 offerte par Graham Nash. Fin 1972, le guitariste découvrit par hasard et adopta la première guitare que Doug Irwin fabriqua pour le compte d’Alembic Guitars. Dans la foulée, il demanda au luthier de lui en fabriquer une autre en précisant: ″ peu importe le coût, vas-y, lâche toi ″! Six ans plus tard, la nouvelle six cordes faisait sa première apparition lors d’un concert du groupe à Oakland. Elle allait devenir le choix de prédilection de Garcia tout au long de la décennie suivante. Solid body constituée d’un assemblage de bois denses. Manche traversant en érable avec touche en ébène et incrustations de nacre. Marqueterie au dos de la caisse. Accastillage et éléments décoratifs en laiton. Deux micros humbuckers et un micro simple bobinage avec sélecteur cinq positions, contrôles de volume et de tonalité avec préampli et boucle d’effets intégrés. Sous le cordier, un motif en nacre et ébène représentant un tigre qui valut à la six cordes le nom de ″ Tiger ″. Ce petit bijou de plus de 6 kilos nécessita la bagatelle de 2000 heures de travail et une facture de 6 000 dollars. Jerry appréciait le look original de cet instrument mais il aimait surtout les nombreuses possibilités techniques lui permettant de tirer le meilleur de la richesse des sons.
Dans son testament, ″ Captain Trips ″ avait légué ces instruments à Doug Irwin. En 2022, la ″ Tiger ″ a été achetée aux enchères pour 950 000$. Après le décès en 2025 du nouveau propriétaire Jim Irsay, c’est Bobby Tseitlin de Family Guitars qui, en 2026, l’a acquise chez Christie’s pour un montant de 11 560 000 $ en promettent qu’elle continuerait à être jouée. Promesse tenue. Dès le lendemain de la transaction, ″ Tiger ″ était de retour sur la scène du Beacon Theatre de New York entre de bonnes mains. Celles de Derek Trucks du Tedeschi Trucks Band.
[Oscar Wilde – The revers of the medal]: ″ Elle avait des lèvres, pareilles à des cerises, si savoureuses qu’on éprouvait le désir d’y goûter – She had lips like cherries, so tempting that one felt the urge to taste them .″
[Extrait]: Florence Ballard et Mary Wilson viennent du ghetto noir de Detroit. Étudiantes, elles se rencontrent en 1958 lors d’un concours de chant au cours duquel elles sont remarquées par Milton Jenkins, l’impresario des Primes, un groupe de doo-wop local. Ce dernier a en tête de monter un groupe vocal exclusivement féminin: The Primettes… L’un des chanteurs des Primes se souvient alors d’une certaine Diane Ross, originaire elle aussi du même quartier que Florence et Mary. Les Primettes étaient nées. Le 4 juillet 1960, les filles remportent le premier prix du Festival international de la liberté de Detroit et elles envisagent d’enregistrer un disque. Mademoiselle Ross – elle se prénomme désormais Diana – demande à Smokey Robinson, ami et chanteur des Miracles, d’aider les Primettes à décrocher une audition avec Berry Gordy, le directeur de Motown, qui malheureusement les trouve trop jeunes. Du haut de leurs 16 ans, les artistes s’entendent à merveille pour faire le forcing et elles passent régulièrement dans les locaux de la Tamla Motown pour faire la claque derrière les artistes maison. Leur persévérance finit par payer. En janvier 1961, elles décrochent un contrat et adoptent le nom de The Supremes… En août 64, celles qui dans les couloirs de la maison de disques sont affublées du sobriquet ″ no-hits Supremes ″ atteignent la première place des charts avec Where Did our Love Go. Les 12 titres suivants se placeront eux aussi en tête des classements. Fin 1966, nouveau n°1 avec You Can’t Hurry Love, suivi en octobre par le single qui élèvera la formation au rang de stars mondiales : You Keep Me Hangin’ On, une chanson qui évoque un amour à sens unique… Cette année-là, le groupe sort également son dixième 33 tours, The Supremes A’ Go-Go qui est devenu le premier d’un groupe entièrement féminin à atteindre la première place du Billboard 200 américain en détrônant le Revolver des Beatles. Quant à You Keep Me Hangin’ On, il ouvrira en 1967 le LP suivant: The Supremes Sing Holland-Dozier-Holland. La chanson a été reprise par de nombreux artistes tels que Wilson Pickett, The Box Tops, Rod Stewart, Vanilla Fudge, Tim Buckley, Kim Wilde et même en France par Sylvie Vartan en 1967 (Je n’ai pas pu Résister) et par Claude François en 1972 (Mais c’est Différent déjà). Différent? Oh que oui!
L’intégralité de la chronique est à retrouver dans le livre:
15 ans d’absence discographique depuis Hard Times and Nursery Rhymes publié en 2011. Après cette pause forcée – due notamment à des problèmes de santé chez le fondateur, guitariste et chanteur – les californiens de Social Distortion sont de retour! Et ils ne se contentent pas de rompre le silence. Ils reviennent en force, avec la puissance qui les caractérisent. Born To Kill repose sur les fondements qui ont permis au groupe de rester aussi dynamique pendant près de cinquante ans avec ce rock classieux qui a toujours coulé dans les veines de Mike Ness. Le morceau titre qui déferle sur l’autoroute du rock’n’roll donne le ton. Partners In Crime s’appuie sur un riff gras et puissant. No Way Out enfonce le clou tandis que The Way Things Were ralentit le rythme, juste assez pour pouvoir jeter un coup d’œil dans le rétroviseur. Et puis il y a Tonight, un hymne entraînant taillé sur mesure pour taper du pied en faisant gaffe de ne pas renverser sa Budweiser. Le plus intéressant dans ce huitième opus, c’est la facilité avec laquelle Social.D parvient à maintenir un équilibre subtil entre énergie et succès commercial. Sous une apparente simplicité, l’album repose sur les modèles qui ont permis au groupe de rester dynamique et créatif pendant près de 50 ans. Hommage à la country avec Crazy Dreamer, incursion pop rock dans D’ont Keep Me Hanging On et même une belle reprise de Chris Isaak: Wicked Game. Rock vintage à souhait pour Walk Away et Never Goin’ Back Again. Un pt’it dernier pour la route. Over You appuie encore sur l’accélérateur pour une fin de course fracassante.
11 titres pour un rock bien balancé, simple et sincère. Des amplis qui crachent, une rythmique entraînante, des guitares omniprésentes, le tout pour appuyer la présence étonnante de Mike Ness au chant. Les Social Distorsion roulent encore, ils viennent de refaire le plein!
Hawkwind: In Search of Space 71 – Space Ritual 73 – Hall of the Mountain Grill 74
L’anglais Colin Fulcher (1942-1983) pratiquait le dessin et la peinture. Sous le pseudo Barney Bubbles il s’est également consacré à la réalisation de clips musicaux et à la création graphique axée sur la scène musicale indépendante britannique des années 70 et 80. Il a été l’auteur d’un grand nombre de pochettes de disques au design accrocheur et immédiatement reconnaissable. Avec un style novateur inspiré par le pop art, il est parvenu à faire un lien entre le psychédélisme et l’avènement du punk. Excentricité, mouvement et harmonie aux couleurs vives ont permis à l’artiste de devenir de plus en plus populaire auprès des groupes New Wave émergents. À cette époque, Bubbles fut nommé directeur artistique du label Stiff Records et mit son talent au service de Ian Dury, des Damned et de Elvis Costello. Par la suite, il collabora avec Generation X, Devo et Dr Feelgood (A Case of the Shakes). Mais Bubbles a d’abord été associé à Brinsley Schwarz, le groupe de Nick Lowe, et surtout, aux rockeurs cosmiques de Hawkwind avec des affiches et des pochettes d’albums saisissantes. L’originalité de In Search of Space, la singularité du légendaire album live Space Ritual et le côté futuriste de Hall of the Mountain Grill, ont offert à la musique du groupe londonien une identité visuelle significative.
Lemmy Kilmister: ″ Pour la tournée américaine de 78, Barney nous a monté un spectacle extravagant avec éclairages, images projetées et machines à fumées. Il a peint tout notre équipement en couleurs fluo pour capter les jeux de lumières. Les fans sous acides décollaient direct vers les étoiles ″.
D’autres histoires du Cover Art à retrouver dans le livre:
[Pete Seeger-Musicien américain]: ″ Shhh! Listen to the sounds that surround you. Notice the pitches, the volume, the timbre, the many lines of counterpoint. As light taught Monet to paint, the earth may be teaching you music – Chuut! Écoute les sons qui t’entourent. Prête attention aux tonalités, au volume, au timbre, aux multiples lignes mélodiques. Tout comme la lumière a enseigné la peinture à Monet, la terre t’apprendra peut-être la musique.″
Rock & Roll Bordel! 