Andy Zax – Woodstock, Back to the Garden

Woodstock 50th anniversaryC’est pour bientôt! Un témoignage à la gloire – cinquantenaire oblige – de Woodstock. Back to the Garden,  38 CD regroupant la quasi totalité des concerts donnés pendant le festival pour revivre l’épopée des 3 jours de musique de l’emblématique festival. À l’exception de trois chansons, l’intégralité des prestations est enfin proposée, dont forcément un grand nombre d’inédits. Depuis le triple LP original de 1970 et en passant par un coffret sorti en 2009, ce rendez-vous historique ne proposait jusqu’alors qu’une vision partielle de l’événement. Publié le 2 août 2019, le coffret Woodstock 50 n’y va pas par quatre chemins. Un document sonore unique! 432 chansons pour un total de près de 36 heures d’enregistrements, 270 inédits incluant les concerts complets de The Who, Joe Cocker, Sly et Family Stone, Crosby, Stills, Nash & Young, ainsi que les prestations de The Grateful Dead, Creedence Clearwater Revival ou Janis Joplin qui ne figuraient ni dans le film, ni dans l’album original de Woodstock. C’est l’américain Andy Zax, auteur, producteur et historien de la musique qui est à l’origine du projet qu’il qualifie de ″documentaire audio ultime sur les années soixante″. Il faudra compter dans les 800 euros pour cette édition limitée à 1969 exemplaires mais des versions condensées à 10 Cd et 5 Lp seront également disponiblesToutes les infos sont disponibles sur: Rolling Stone Magazine.

Patrick BETAILLE, juillet 2019

 

René Magritte – De Jeff Beck à Pink Floyd

Magritte Records CoversLes grands peintres ont souvent été source d’inspiration chez les concepteurs et créateurs de pochettes de disques et René Magritte reste probablement l’artiste qui a été le plus emprunté. Il faut dire que les toiles de l’artiste belge se prêtent admirablement à l’expression d’une approche esthétique au sein de laquelle domine un surréalisme source de questionnements et d’errances intellectuelles. Le cas le plus flagrant reste l’album du Jeff Beck Group qui pour son deuxième album Beck-Ola paru en 1969, s’approprie carrément La Chambre D’écoute peinte par Magritte en 1958. Le Beau monde, un autre tableau réalisé en 1962, est lui repris sur le Finnegans Wake de Tangerine Dream. Quant à Golconde, une toile datant de 1953, elle est reprise et adaptée pour la jaquette du premier opus éponyme de Dreams, un groupe de Jazz Rock éphémère incluant Michael Brecker et Billy Cobham.

En 1977 c’est au tour de Styx de pasticher le surréaliste en utilisant Le Blanc-Seing de 1965 pour l’album, le septième, qui lui ouvre les portes du succès: The Grand Illusion. Les emprunts au peintre belge sont parfois plus subtils mais tout aussi intéressants. C’est le cas de la pochette de Late For The Sky de Jackson Browne inspirée de L’empire Des Lumières daté de 1954. Enfin, il y a ce personnage typique de la peinture magritienne objet notamment du Fils de l’homme un autoportrait de 1964 et, la même année, de L’homme au Chapeau Melon. Mis en cène par Storm Thorgerson pour le compte du collectif Hypgnosis, l’homme en costume noir et chapeau melon est présent en 1978 sur l’album de Rush, Hemisphères et sur le Wish You Were Here de Pink Floyd dans la version coffret collector remastérisé de 2011. Sur ce dernier la mention ″Ceci n’est pas une boite″ fait évidemment référence à une huile de 1929 intitulée Ceci n’est pas une Pipe.

Patrick BETAILLE, juillet 2019

Eric Clapton – Life in 12 bars

Lili Zanuck Clapton Life in 12 BarsToujours soucieux d’avoir le contrôle sur son image et perfectionniste en âme, Eric Clapton a demandé à la réalisatrice Lili Fini Zanuck de lui consacrer un Rockumentaire. Sorti en salle en janvier 2019, Life in twelve Bars est désormais disponible en Dvd. Le film privilégie les archives fournies par le guitariste qui commente photos et documents sonores. Durant la première moitié du documentaire l’on découvre les blessures d’un enfant qui, rejeté et abandonné par sa mère, se réfugie dans la musique qu’il entend à la radio. Très tôt donc le Blues devient un refuge obsessionnel qui conduira le jeune prodige au sein des Yardbirds, de John Mayall & The Blues Breakers et de Cream! C’est aussi l’époque d’une autre passion dévorante; celle que nourrit le guitariste pour l’épouse de son ami George Harrison, Patti Boyd. Cet amour à sens unique conduit celui que l’on appelle désormais God à une descente aux enfers qui devient le fil conducteur de la deuxième partie. Amour contrarié, fragilité, dépression, alcool, Mandrax, héroïne, cocaïne, LSD. ″Je ne savais plus où j’étais… à l’époque je ne me suis pas suicidé car un mort ne boit pas!″, se souvient Slowhand qui trouvera néanmoins l’inspiration pour créer son chef d’œuvre au sein de Derek and the Dominos: Layla. Quelques années plus tard, la naissance de son fils Conor va le remettre sur pied. Malheureusement l’enfant meurt tragiquement en 1991 à l’âge de 4 ans et devient le sujet de l’un de ses plus beaux hymnes: Tears in Heaven. Les épisodes sont connus, bien sûr, mais la réalisatrice parvient à leur donner une nouvelle dimension grâce à des extraits, interviews et séquences vidéo jusqu’alors méconnues au cours lesquelles on croise notamment les Beatles, Dylan assistant à un concert de John Mayall à la télévision, ou encore une Aretha Franklin en studio. ″Aretha a d’abord ri, mais quand Clapton a commencé à jouer elle a arrêté de rire″ [Le boss d’Atlantic Records]. Il est aussi question de la fameuse tirade raciste lors d’un concert que le documentaire n’élude pas. ″J’étais bourré. Je me suis dégoûté moi-même ». C’était impardonnable. La moitié de mes amis étaient noirs et ma musique l’était aussi… Mais seule la bouteille comptait!″. Le portrait d’un homme tourmenté plutôt que celui d’un guitariste flamboyant est certes un choix risqué et il parait légitime de se demander pourquoi la musique, bien que présente et de belle manière, n’occupe pas plus de place tout au long des 2h15 de visionnage. En faisant le choix de la sincérité et de l’intime, Eric Clapton offre à Lili Zanuck l’occasion de réaliser un boulot remarquable, émouvant et passionnant. Une réussite et un vrai régal!

Patrick BETAILLE, juin 2019

Buck Uzzel – Woodstock

Buck Uzzel: Nick & Bobbi ErcolineDu 15 au 17 août 1969, avait lieu le Festival de Woodstock, événement musical par excellence devenu la représentation emblématique de la culture hippie alors à son apogée. Organisé à Bethel dans l’État de New York et sur les 800 hectares des terres du fermier Max Yasgur, ce rassemblement a accueilli un demi million de spectateurs venus assister aux prestations de quelques 32 groupes ou artistes folk, rock, soul et blues. 50 ans donc qu’a eu lieu l’un des plus grands moments qui ont changé l’histoire de la musique populaire. De toutes les photos prises durant cette célébration du ″Peace and Love″ il en est une qui d’emblée s’est installée définitivement aux tréfonds de la mémoire collective pour la bonne et simple raison que c’est celle qui a été choisie pour illustrer la jaquette du triple album Woodstock: Music from the Original Soundtrack and More et l’affiche du film Woodstock de Michael Wadleigh. Buck Uzzel, l’un des photographes officiels présents sur les lieux, a immortalisé un jeune couple debout et enlacé sous une couverture improbable, au beau milieu d’une marée humaine couchée à même le sol boueux. Nick Ercoline et Bobbi Kelly ont à peine 20 ans à l’époque, se fréquentent depuis quelques mois seulement et décident de passer outre les recommandations de l’organisation en se rendant sur les lieux. Il leur faudra six heures pour parcourir 90 km en voiture et feront les derniers huit kilomètres à pied pour se retrouver si loin de la scène qu’ils n’ont rien vu du concert. ″Le vrai spectacle était sous nos yeux, tantôt un groupe improvisait un barbecue, parfois un couple faisait l’amour, d’autres chantaient, ou dansaient. Woodstock, c’était des moments volés d’intimité partagée. Le tout sans aucune violence, malgré des conditions frôlant le désastre″. 50 ans après Nick et Bobbi sont toujours ensemble. Mariés en 1971, Monsieur et Madame Ercoline ont eu deux enfants, deux fils, et coulent des jours heureux à 70 km de Bethel Woods, l’endroit où pendant ces trois jours de 1969 Musique, Amour et Paix unissaient toute un génération.

Patrick BETAILLE, juin 2019

David Gilmour – 21 millions pour l’Environnement

Guitares aux enchèresDavid Gilmour n’est pas un collectionneur compulsif; il a toujours considéré la 6 cordes en tant qu’instrument de travail, et non pas comme le signe ostentatoire de sa créativité. Grand amateur de Fender, le guitariste apprécie aussi les belles Gibson, Gretsch, Rickenbacker et autres Ovation ou Martin. Le 20 juin 2019 à New York une partie de ses instruments a été mise en vente à New York. Après 8 heures d’enchères chez Christie’s, 120 guitares ont été adjugées pour un montant total de 21 millions de billets verts. Une Stratocaster blanche arborant le numéro de série 0001 s’est vendue à 1.800.000$. Estimée entre 10.000 et 20.000 dollars, une Martin D-35 de 1969 a été adjugée 1.095.000$. La Gretsch White Penguin de 1958 et la Gibson Les Paul Gold de 1955 ont trouvé preneur à hauteur de 450.000 dollars chacune. Mais le clou de la vente a été atteint avec l’emblématique Stratocaster noire. Achetée en 1970, c’est la guitare de prédilection de David Gilmour, celle que l’on peut entendre sur tous les albums du Floyd de 1970 à 1983. La bien nommée ″Black Strat a été acquise pour 3.975.000 dollars devenant ainsi l’un des instruments les plus chers au monde; plus cher qu’un Stradivarius de 1707 vendu en 2006 pour 3.5 millions de dollars. De tout temps, le guitariste de Pink Floyd s’est attaché à verser de l’argent à des organisations caritatives. Il en va de même pour cette opération exceptionnelle puisque l’intégralité du produit de la vente sera versée à ClientEarth, une organisation qui oeuvre pour la protection de l’environnement. ″Parce que le changement climatique est le plus gros challenge que l’humanité doit affronter et qu’il ne reste que quelques années avant que les dommages ne soient irréversibles″ a récemment déclaré David Gilmour dans une interview.

Patrick BETAILLE, juin 2019

Miranda Lambert – Jack Daniel’s

…I fell in love with Jack Daniels again. He’s the best kind of lover that there is. I can have him when I please, he always satisfies my needs.  He takes me back no matter where I’ve been. Yeah, I fell in love with Jack Daniels again…″ (from Miranda Lambert’s song: Jack Daniel’s).

In love with Jack Daniel'sJe suis tombée amoureuse du Jack Daniel’s. C’est le meilleur des amants qui soit. Je peux en profiter quand ça me plait, il répond toujours à mes envies et quel que soit l’endroit où je me trouve, il me réconforte… Miranda Lambert – Jack Daniel’s.

Patrick BETAILLE, juin 2019

Ken Kelly – Rainbow Rising

Rainbow RisingAu printemps 1975, Ritchie Blackmore, ténébreux pourvoyeur de riffs plombés devant l’éternel, quitte Deep Purple pour former son propre groupe. Depuis quelques mois déjà, il s’est acoquiné avec les musiciens du groupe Elf qui assure les premières parties des concerts du Pourpre. A l’exception de Ronnie James Dio, lutin hirsute aux cordes vocales surdimensionnées, les musiciens quittent la formation peu après la parution d’un premier essai quelque peu pompeux, Ritchie Blackmore’s Rainbow. Arrivent alors Tony Carey aux claviers, Jimmy Bain à la basse et Cozy Powell à la batterie. Tout ce beau monde entre en studio et, sous la houlette de Martin Birch, enregistre en 1976 et avec la contribution de l’Orchestre Philharmonique de Munich ce qui deviendra LA référence du Hard Rock mélodique: Rising. ″Tarot Woman″, une longue intro aux synthés, suivie par une guitare galopante vite rejointe par une section rythmique dominée par la frappe lourde de Powell. Le décor est planté. Avec son timbre à la fois puissant et lyrique, et surtout cette aisance pour atteindre les notes hautes, la voix prend alors une ampleur inégalable. D’emblée on pénètre dans un monde féerique, celui qu’affectionne le regretté Ronnie James Dio, auteur de tous les textes et co-signataire de toutes les musiques. L’album culmine avec en face B deux titres très énervés de plus de 8 minutes chacun, modèles du genre. ″Stargazer″ tout d’abordun véritable joyau dans lequel Dio donne toute la mesure de son talent et Blackmore assure une prestation immense avec un solo mémorable. ″A Light In The Black″ enfin, morceau d’anthologie, encore un, le summum étant atteint avec un duel guitare/synthé éblouissant au cours duquel Powell martyrise sa double batterie comme il a rarement eu l’occasion de le faire, avant ou après. Imparable! Mais le premier contact avec ce monument a lieu via la pochette signée Ken Kelly, connu pour ses illustrations de Conan le Barbare, Tarzan, Vampirella mais aussi au travers de son travail pour Manowar, Kiss et Ace Frehley. Dans le plus pur style de l’Heroïc Fantasy, l’artiste marque les esprits avec cette main gigantesque émergeant des profondeurs d’un océan tempétueux pour saisir un arc-en-ciel (Rainbow). En 1981 Rising a été élu par le magazine Kerrang meilleur album de Heavy Metal de tous les temps.

Patrick BETAILLE, juin 2019

Dr. John – La fin du Nite Tripper

Malcolm John McRebennack JrMalcolm John McRebennack Jr, pianiste de Blues légendaire, débute sa carrière dans les années 50 en tant que guitariste; lors d’une bagarre il est blessé à l’annulaire et il se met alors à la basse avant de se consacrer au piano. En 1963, il s’installe à Los Angeles et travaille avec de nombreux artistes dont Sonny & Cher et Canned Heat et plus tard Ricky Lee Jones, Van Morrison, BB King, The Band ou Willy DeVilleCe musicien atypique, touche à tout à la voix rauque, pianiste remarquable, a ouvert la musique de La Nouvelle Orléans au psychédélisme et au  Rythm & Blues des sixties, au funk dans des Seventies et d’une manière générale au Blues, au Rock et au Jazz grâce auxquels il s’est imposé avec fougue sur toutes les scènes du monde entier avec des prestations mises en scène comme des cérémonies Voodoo au cours desquelles ses accoutrements excentriques et la patois créole occupaient une place de choix. Son premier album Gris-Gris, paru en 1968  fait parie des500 meilleurs albums de tous les temps. S’en est fini du ″Night Tripper″, Dr. John vient de succomber à une crise cardiaque à l’âge de 77 ans.

Patrick BETAILLE, juin 2019

 

Roky Erickson – Ascenseur pour la folie

13th Floors Elevators13th Floor Elevators. Le nom du groupe formé par Roky Erickson fait référence à une vieille superstition qui veut qu’aux Etats Unis les gratte-ciel n’ont pas d’étage nº 13. Quand il existe, soit il est vide, soit il est réservé à des locaux techniques. Il arrive aussi que sa numérotation soit remplacée par un étage ″12A″ ou ″M″ (la 13ème lettre de l’alphabet). En 1966, le groupe en question prétend accéder à cet étage fantôme aidé en cela par une consommation effrénée de cannabis et de LSD. Au Texas, hallucinations et couleurs criardes envahissent les esprits. On ne parle pas encore de rock psychédélique mais le terme apparaît pour la première fois sur le titre d’un album, The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevatorsqui tisse les fondations d’un genre nouveau. Le groupe connait une audience notable mais devient la cible des autorités policières de la puritaine Amérique à cause du caractère soit disant subversif de leur musique et l’utilisation réellement abusive de drogues hallucinogènes. A 20 ans, pour échapper à la prison, Roky Erickson plaide la folie. Après s’être échappé de l’hôpital psychiatrique il est repris et incarcéré dans un établissement de sécurité maximale où il est bourré de neuroleptiques. Abruti par les électrochocs pendant trois ans il devient complètement paranoïaque, au point d’affirmer être, entre autres, un extra-terrestre en contact télépathique avec l’esprit de Buddy Holly. Devenu la bête noire des radios, rongé par l’absence de son chanteur, la consommation d’héroïne, les problèmes judiciaires, les tensions internes et la mort de son guitariste, le groupe splite en 1978. Exception faite de rares moments de lucidité, Erickson reste cloîtré, passe ses journée à regarder des dessins animés et garde de multiples radios constamment allumées pour faire taire les voix qui hantent toujours son esprit. Ce zombie du Rock, père du psychédélisme est décédé le 31 mai 2019 à l’âge de 71 ans. You gonna miss me!

Patrick BETAILLE, juin 2019

Kenny Wayne Shepherd – The Traveler

Kenny Wayne Shepherd BandEn 1995, Kenny Wayne Shepherd débarque à l’âge de 18 ans sur la scène Rock  avec Ledbetter Heights, qui lui confère instantanément le statut de prodige de la 6 cordes. 25 ans plus tard revoilà celui que l’on compare, souvent à tort, à feu Stevie Ray Vaughan, avec un nouvel album de 10 titres: The traveller. Dans la droite ligne du précédent Lay it on Down sorti deux ans auparavant et dès les premières mesures de ″Woman Like You″ la couleur est annoncée. Guitare énergique, puissance avérée et feeling enjôleur sont au rendez vous pour un rock aux accents sudistes au sein duquel les cuivres ont la part belle. Avec ses 8 compos et ses 2 reprises (dont l’éblouissant Turn To Stone de Joe Walsh) ce nouvel opus ne se cantonne pourtant pas à un Blues Rock couillu. Comme à son habitude, le guitariste refuse de laisser enfermer dans un seul genre et explore donc le Blues dans lequel il excelle mais aussi la Soul, la Country, l’Américana et même la Pop classieuse. Kenny Wayne Shepherd, toujours très inspiré, nous offre un album bien produit dont la solidité doit beaucoup aux excellent musiciens qui l’accompagne (dont Chris Layton aux drums et Noah Hunt au chant). The Traveler reste un hymne à la guitare de la part de l’une des plus fine gâchettes du Blues moderne qui prend le risque d’amener sa Stratocaster là où d’autres refuseraient de s’aventurer.

Patrick BETAILLE, juin 2019